In den 60er Jah­ren trat in Ost­ber­lin eine Grup­pe von Künst­lern in die Öffent­lich­keit, die sich von aka­de­mi­schen Nor­men, offi­zi­el­ler Ideo­lo­gie und Schön­fär­be­rei fern­hiel­ten und ihre ästhe­ti­schen Maß­stä­be in der Klas­si­schen Moder­ne fan­den. Was sie über Jahr­zehn­te ver­band, war bei allen indi­vi­du­el­len Unter­schie­den ein unver­stell­tes Ver­hält­nis zur Rea­li­tät und ein Ethos der eigen­ge­setz­li­chen Form. Die­sen Schutz­be­reich der Kunst­frei­heit ver­tei­dig­ten sie konsequent.

Die Natur ist unse­re größ­te Leh­re­rin, die mit Gelas­sen­heit und Mühe­lo­sig­keit für uns Zuge­hö­rig­keit, Akzep­tanz, Hei­lung, Kon­tem­pla­ti­on sowie Nah­rung für Kör­per und See­le ver­kör­pert. In Zei­ten des Kli­ma­wan­dels, wo vie­le Arten bedroht sind, wächst die Bedeu­tung und Sehn­sucht nach Natur und wir hin­ter­fra­gen unse­re Bezie­hung zu ihr im heu­ti­gen Anthro­po­zän und nach Resi­li­enz. Im Rah­men­pro­gramm sind Work­shop, Film­abend, Spa­zier­gang, Lesung und Gesprä­che geplant.
In unter­schied­li­chen Tech­ni­ken wie Male­rei, Gra­fik, Radie­rung, Cya­not­o­pie, Instal­la­ti­on, Video, Skulp­tur oder Foto­gra­fie nähern sich Künstler*innen Natur­phä­no­me­nen, prä­sen­tie­ren Arbei­ten mit Natur­ma­te­ria­li­en und zei­gen neben der Schön­heit, auch die Fra­gi­li­tät und Ver­letz­lich­keit von Natur.

Die Aus­stel­lung führt erst­mals die Arbei­ten drei­er Künst­ler zusam­men, die auf ver­schie­de­nen Wegen und mit unter­schied­li­chen Inten­tio­nen nach Ber­lin gekom­men sind. Sie sind Genera­ti­ons­ge­fähr­ten. Hier im Nord-Osten Ber­lins tra­fen sie auf­ein­an­der. Es waren respekt­vol­le Begeg­nun­gen, die ganz auf gegen­sei­ti­ger Wert­schät­zung beruh­ten. Die Gele­gen­heit einer gemein­sa­men Aus­stel­lung ergab sich lei­der nie.

Jür­gen Köh­ler, *1954 stu­dier­te zunächst Bau­we­sen in Dres­den, spä­ter Male­rei an der Kunst­hoch­schu­le Ber­lin Weißensee.

Wal­ter Libu­da, *1952 †2021 arbei­te­te zunächst als Thea­ter­ma­ler am Lan­des­thea­ter Alten­burg und stu­dier­te anschlie­ßend Male­rei an der Hoch­schu­le für Gra­fik und Buch­kunst in Leip­zig. Libu­da hat sein Werk zu einem phan­tas­ti­schen uni­ver­sel­len Kos­mos ent­wi­ckelt, in dem sich Male­rei, Zeich­nung, Skulp­tur und Objek­te zu einer sub­ti­len Ein­heit zusam­men­ge­fügt haben.

Hen­ry Stö­cker, *1954, stu­dier­te Bild­haue­rei an der Kunst­hoch­schu­le Ber­lin Wei­ßen­see. Skulp­tur und Zeich­nung sind für ihn die adäqua­ten Mittel.

Rein­hard Buch lebt und arbei­tet in Meck­len­burg, Sabi­ne Peu­ckert in Ber­lin, Vol­ker Hen­ze in Bran­den­burg. Sie sind freund­schaft­lich ver­bun­den. Umbrü­che und Auf­brü­che hat jeder in ande­rer Form bear­bei­tet. Dar­über „ins Gespräch“ zu kom­men ist Anlie­gen der Aus­stel­lung. Der idea­le Text, den ich mir zu Sabi­ne Peu­ckerts Bil­dern vor­stel­le, wäre ein Text mit offe­nem Anfang und offe­nem Ende, ein durch­läs­si­ger Text, mit Sät­zen, die in sich und unter­ein­an­der beweg­lich sind, mit Zwi­schen­räu­men und Pausen.

An der Aus­stel­lung sind die Maler D.Richard, M.Enderlein sowie die Büh­nen­bild­ne­rin Annet­te Braun betei­ligt. Alle ver­eint das gemein­sa­me Stu­di­um an der KHB-Wei­ßen­see. D. Richard und M. End­er­lein stu­dier­ten bei Prof. D. Goltz­sche. Bei­de ver­eint eine eigen­stän­di­ge Auf­fas­sung male­ri­scher Dar­stel­lung von Land­schaft. M. End­er­lein ver­bin­det mit Mit­teln der Col­la­ge Moti­ve von Land­schaft und Groß­stadt mit Ele­men­ten aus Still­le­ben in sei­nen Kom­po­si­tio­nen.
Die Ber­li­ne­rin stu­dier­te von 1990 bis 1995 Büh­nen- und Kos­tüm­bild an der Kunst­hoch­schu­le in Ber­lin- Weis­sen­see. Ab 1995 war sie Meis­ter­schü­le­rin bei Prof. Vol­ker Pfül­ler. Bereits wäh­rend und nach Stu­di­en­ab­schluss folg­ten, neben frei­en Arbei­ten, Auf­trä­ge an den Musik­hoch­schu­len Nürn­berg und Frank­furt am Main, sowie zahl­rei­che Aus­stat­tun­gen für Film, Tanz­thea­ter, Oper, Ope­ret­te und Schau­spiel am Ber­li­ner Ensem­ble Ber­lin und ande­ren Theatern.

Das Ver­sehrt­sein und die Ver­wun­dung sind als Bild­mo­ti­ve der euro­päi­schen Kunst­ge­schich­te im Bewusst­sein. Die Welt der glat­ten Ober­flä­chen, ist die heu­ti­ge Fas­sa­de von Schmerz, ver­dräng­tem Unbe­wuss­ten und der Trau­ma­ta, die heu­te viel­leicht noch schwe­rer wie­gen, da der Mensch im Zeit­al­ter eines neo­li­be­ra­len End­zeit­ka­pi­ta­lis­mus ver­ein­zelt und ohne Glau­ben auf sich zurück­ge­wor­fen ist. Die betei­lig­ten Künst­le­rin­nen ver­su­chen eine bild­ne­ri­sche Form für die Dun­kel­sei­te des moder­nen Men­schen zu fin­den.
Es stellt sich die Fra­ge, inwie­fern in der seit 80 Jah­ren anhal­ten­den Wie­der­ho­lung und unend­li­chen Repro­duk­ti­on von schon durch­ge­spiel­ten Bil­der­fin­dun­gen, Stil­for­men und Abs­trak­ti­ons­be­mü­hun­gen noch eine authen­ti­sche Stim­me und Bild­ant­wort zu fin­den ist. »So wie Zug­luft müs­sen Bil­der sein. Sie müs­sen durchs eine Auge hin­ein und durch ande­re hin­aus wehen. Sie müs­sen eine Ent­zün­dung hin­ter­las­sen, eine Art Schmerz, ein auf­wa­chen.«, sagt Nor­bert Schwontkowski.